Program szczegółowy

Scena Teatru ROZBARK, ul. W. Kilara 29
21 czerwca 2019 (piątek), godz. 19:00 „Black is the colour" | Kolektyw MORE, choreografia: Quan Bui Ngoc, czas: 60 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.

22 czerwca 2019 (sobota), godz. 21:00 „ Stół bez szczęścia", „Cudowny Mandaryn" | Kielecki Teatr Tańca, choreografia: Grzegorz Pańtak/Elżbieta Pańtak, czas: 80 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca.

23 czerwca 2019 (niedziela), godz. 19:00 „Rozkosz" | Teatr ROZBARK, choreografia: Jakub Lewandowski, czas: 60 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.

25 czerwca 2019 (wtorek), godz. 19:00 „Dobre wychowanie" | Grupa Wokół Centrum, choreografia: Agata Moląg, czas: 70 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca.

27 czerwca 2019 (czwartek), godz. 21:00 „PLATEAU" | Teatr ROZBARK, choreografia: Maciej Kuźmiński, czas: 90 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.

28 czerwca 2019 (piątek), godz. 19:00 „ She War Saw" | choreografia: Stefano Silvino (Włochy), czas: 50 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.

30 czerwca 2019 (niedziela), godz. 11:00 „Kręcipupa" | Koprodukcja Fundacji LALE.Teatr
i Wrocławskiego Teatru Lalek. Spektakl zrealizowany ze środków finansowych Miasta Wrocław, spektakl familijny dla najmłodszych, czas: 35 min.+15 min. zabawa.
Bilety w cenie: 10 zł ulgowy, 15 zł normalny.

Scena BECEK, Pl. Karin Stanek 1
22 czerwca 2019 (sobota), godz. 18:45 Oficjalne Otwarcie Festiwalu

22 czerwca 2019 (sobota), godz. 19:00 „RITE OF SPRING (Made in China)" | Quorum Ballet (Portugalia), choreografia: Daniel Cardoso, czas: 80 min. Bilety w cenie: 40 zł ulgowy, 50 zł normalny.

24 czerwca 2019 (poniedziałek), godz. 19:00 „We_selle" | choreografia: Wojciech Mochniej,
czas: 65 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca.

26 czerwca 2019 (środa), godz. 20:30 „Tańce polskie", Mały Śląsk, czas: 60 min. Bilety w cenie: 20 zł ulgowy, 30 zł normalny.

27 czerwca 2019 (czwartek), godz. 19:00 „The Storm" | James Wilton Dance (Wielka Brytania),
choreografia: James Wilton, czas: 90 min. Bilety w cenie: 40 zł ulgowy, 50 zł normalny.

29 czerwca 2019 (sobota), godz. 19:00 „MNEMOSYNE" | Kamea Dance Company (Izrael), choreografia: Tamir Ginz, czas: 65 min. Bilety w cenie: 40 zł ulgowy, 50 zł normalny.

Karnety na spektakle (zakup możliwy tylko w kasie Teatru ROZBARK):
• 130 zł karnet na wszystkie spektakle, dla uczniów bytomskich szkół (gimnazjum, szkoły ponadgimnazjalne/ponadpodstawowe), zakup możliwy tylko w kasie Teatru, po okazaniu ważnej legitymacji szkolnej.
• 180 zł ulgowy karnet na wszystkie spektakle, zakup możliwy tylko w kasie Teatru, po okazaniu dokumentu uprawniającego do zniżek (bilety ulgowe przysługują: emerytom, rencistom, uczniom i studentom).
• 270 zł karnet na wszystkie spektakle, zakup możliwy tylko w kasie Teatru.

SCENA Teatru ROZBARK
„Black is the colour" Kolektyw MORE

Gdyby jutra nie było.
To jest moja podróż.
Nic nas nie powstrzyma.

Choreografia: Quan Bui Ngoc,
Wykonanie: Sylwia Hefczyńska-Lewandowska, Natalia Dinges, Daniela Komędera-Miśkiewicz,
Dominika Wiak,
Muzyka: Peter Łyczkowski,
Konsultacje scenograficzne: Piotr Tetlak,
Reżyseria oświetlenia: Paweł Murlik,
Asystent reżysera oświetlenia: Radosław Lis,
Czas: 60 min.

Spektakl zrealizowany we współpracy z Instytutem Muzyki i Tańca w ramach programu Zamówienia choreograficzne 2018 oraz dzięki programowi rezydencyjnemu w trakcie BalletOFFFestival w Nowohuckim Centrum Kultury (Krakowskie Centrum Choreograficzne).

QUAN BUI NGOC
Regularnie współpracuje z operą Ho Chi Minh w Wietnamie. W 2002 roku rozpoczął współpracę
z Alainem Platelem: „Wolf", a następnie „vsprs" (2006), „pitié!" (2008) i „C(H) OEURS" (2012). Współpracował w „Bolero" z Lisi Estaras (2009); oraz reżyserował z Lisi „I know a place" (2009). Stworzył spektakl „Jump or Fall" (listopad 2009), razem z Julianą Neves i Samuelem Lefeuvre.
W 2011 roku dołączył do Australian Dance Theatre z „Be Your Self", po tym jak rozpoczął współpracę z kompanią Swis 3art3 jako reżyser i choreograf „K" oraz „Untold". Pracował nad projektami z udziałem dzieci, na pamiątkę wojenną w Ypres i więźniami z Brugii. Stworzył spektakl „Blurry" dla Evaduda Dance Company. Asystent artystyczny Alaina Platela w projektach „Nisht schafen", „Requiem pou L" i „Le Sacre du printemps" w 2018 roku.

SYLWIA HEFCZYŃSKA-LEWANDOWSKA
Wykładowca na Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie. W latach 1995-2012 tancerka i kierownik artystyczny zespołu Śląskiego Teatru Tańca w Bytomiu. Obecnie tworzy własne spektakle we współpracy z teatrami dramatycznymi, instytucjami kultury, fundacjami, niezależnymi twórcami. Ważną część jej dorobku artystycznego i pedagogicznego stanowią projekty społeczne i edukacyjne, angażujące również ludzi ze środowisk wykluczonych.

NATALIA DINGES
Absolwentka WTT w Bytomiu, AST w Krakowie (2013). Jako wykonawca związana z różnymi teatrami, m. in. Teatrem Śląskim, Słowackiego w Krakowie, Polskim w Bielsku Białej, Ochoty
w Warszawie, Małym w Tychach, Śląskim Teatrem Tańca, Alias Cie czy nazwiskami: Marciniak, Rychcik, Piekorz, Godowska, Krawczyński, Botelho, Lewandowski, Łumiński, Hefczyńska-Lewandowska, Raźniak, B. Peszek, Garbacik, Cohen, Mazurkiewicz, Urbacki, itd. oraz licznymi produkcjami niezależnymi. Tworzy lub współtworzy choreografię („Mesjasze", „Kurde le bele", „Superbohaterów 10/9", „Szac", cykl „Muzyczne opowieści Hani M., Profanum"), asystuje przy produkcjach dyplomowych WTT AST. Przed studiami zawodowo trenowała akrobatykę sportową, obecnie najchętniej prowadzi zajęcia ze świadomości ciała dla wszystkich grup wiekowych, jak
i dla osób niepełnosprawnych.

DANIELA KOMĘDERA-MIŚKIEWICZ
Tancerz, choreograf, aktorka. Absolwentka PWST w Krakowie na Wydziale Teatru Tańca w Bytomiu. Współpracowała jako wykonawca m.in. z Teatrem dada von Bzdulow, Teatrem Amareya, Lubelskim Teatrem Tańca, Teatrem Ochoty, Kayą Kołodziejczyk, Maciejem Kuźmińskim, Radkiem Rychcikiem, Agatą Dyczko, Jackiem Łumińskim, Robertem Wechslerem, Wojtkiem Mochniejem, Olgą Kebas. Współpracowała jako choreograf z Brianem Michelsem („Jak wam się podoba", „Wiele hałasu o nic"). Była współtwórcą spektaklu „Heimsuchung", który zdobył Złotą Maskę za choreografię. Spektakl „Room 40", w którym tańczy zdobył Nagrodę Publiczności na Polskiej Platformie Tańca. Daniela była stypendystką Ministra Nauki i Szkolnictwa Wyższego, Prezydenta Miasta Bielska-Białej oraz Alternatywnej Akademii Tańca Art Stations Foundation by Grażyna Kulczyk.

DOMINIKA WIAK
Absolwentka Wydziału Teatru Tańca PWST w Krakowie. Współpracuje z Teatrem im. Juliusza Słowackiego w Krakowie oraz Teatrem Śląskim w Katowicach. Występuje w m.in. spektaklach: Radosława Rychcika, Eweliny Marciniak, Eryka Makahona, Macieja Kuźmińskiego, Jakuba Lewandowskiego oraz Sylwii Hefczyńskiej-Lewandowskiej. Zdobywczyni nagrody BEST SOLO za spektakl „Melancholia", Jakuba Lewandowskiego oraz nagród BEST SOLO oraz AUDIENCE AWARD za spektakl „inner place" na Międzynarodowym Konkursie Choreograficznym Solo/Duo w Budapeszcie. Zdobywczyni I nagrody za solo „Melancholia" na Ogólnopolskim Festiwalu ZAWIROWANIA DANCE w Warszawie. Tancerka w spektaklu „Room 40" Macieja Kuźmińskiego nagrodzonego przez publiczność podczas Polskiej Platformy Tańca w 2014 roku. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wybitne osiągnięcia artystyczne. Dwukrotnie uczestniczka projektu badawczego tańca w Chinach.

PAWEŁ ŁYCZKOWSKI
Wychowany za kulisami teatrów. Muzyk, grafik, ilustrator, fotograf, z wykształcenia architekt. Działa na pograniczu muzyki, teatru, video, literatury i sztuk plastycznych. Komponuje muzykę do teatru, słuchowisk, audiobooków i szuflady. www.peterlyczkowski.com/music Od 2012 r.
rozwija autorski projekt słuchowisk realizowanych na żywo przed publicznością „Czytagramy",
w ramach którego wystawił 10 premier na krajowych festiwalach literackich i teatralnych oraz kameralnych scenach. Żyje w chmurze, będąc jednakowoż w stałym kontakcie z ziemią.
www.czytagramy.pl

„Cudowny Mandaryn" Kielecki Teatr Tańca
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca.

Choreografia, kostiumy: Grzegorz Pańtak,
Libretto: Menyhért Lengyel,
Muzyka: Béla Bartók,
Scenografia: Luigi Scoglio,
Reżyseria światła, projekcje: Bogumił Palewicz,
Film: Maria Łozińska,

Obsada:
Dziewczyna – Małgorzata Kowalska
Mandaryn – Mateusz Wróblewski
Bandyci – Daniel Pustelnik, Kacper Czyż, Aleksander Staniszewski
Mieszczanin – Tomasz Słomka
Student – Dawid Pieróg
Prostytutki – Alicja Horwath-Maksymow, Izabela Zawadzka, Małgorzata Ziółkowska
Balet – Anna Jamioł, Pamela Paprota, Anna Piotrowska, Anna Szczotka, Marta Starostecka, Marta Rolska.
Czas: 35 min.

„Scena przedstawia ciemny zaułek w wielkim mieście i fragment wnętrza opuszczonego atelier, gdzie gnieździ się szajka złoczyńców. Złoczyńcy wysyłają Dziewczynę na ulicę, by zwabiała mężczyzn. Pierwszym, którego Dziewczyna sprowadza, jest Stary Mieszczanin. Złoczyńcy obrabowują go i mordują, a zwłoki wrzucają do otworu w podłodze. Następną ofiarą jest młody Student, którego ubóstwo ratuje od śmierci: widząc jego puste kieszenie, złoczyńcy wypędzają go. Wreszcie Dziewczyna zwabia egzotycznego cudzoziemca w bogatym chińskim stroju. Złoczyńcy ukrywają się, a Dziewczyna kusi tańcem obojętnego Mandaryna. Nagle w mężczyźnie budzi się gwałtowne pożądanie; chce zdobyć Dziewczynę, przerażoną tym wybuchem namiętności. Gdy ucieka ona od Mandaryna, wychodzą z ukrycia złoczyńcy. Usiłują zabić dziwnego gościa, zadają mu ciosy nożem, duszą, wieszają, wrzucają pod podłogę, lecz za każdym razem ów dziwny człowiek podnosi się i gnany nieprzytomnym pożądaniem, dąży ku Dziewczynie. W niej zaś budzi się litość
i wzruszenie. Gdy wreszcie Mandaryn ją zdobywa, los jego wypełnia się – umiera w ramionach Dziewczyny."

Wersja Cudownego Mandaryna zrealizowana dla Kieleckiego Teatru Tańca przez Grzegorza
Pańtaka, zawiera założenia oryginalnego libretta. Forma ruchowa kompozycji choreograficznej wynika ze sposobu widzenia poszczególnych postaci baletu przez choreografa i chęci utrzymania napięcia emocjonalnego tego dramatycznego baletu. Współczesny język tańca daje dziś możliwości kompilacji różnych stylistyk tanecznych, dzięki czemu zarówno choreograf jak i wykonujący role artyści tańca mogą nadawać indywidualny rys kreowanym postaciom.

GRZEGORZ PAŃTAK
Tancerz, pedagog tańca, choreograf. Współzałożyciel i wicedyrektor Kieleckiego Teatru Tańca. Jest solistą Kieleckiego Teatru Tańca, w którym tańczył wiele znaczących solowych ról m.in. Adama w Siedmiu Bramach Jerozolimy - muz. K. Penderecki (2008), Judasza w Pasji - muz. P. Łukowiec (2006). Tańczył gościnnie w Operze Wrocławskiej w Raju Utraconym Krzysztofa Pendereckiego (2008), Turandot Giacomo Pucciniego (2010), w Teatrze Maryjskim w Petersburgu w Królu Rogerze Karola Szymanowskiego (2009) i Narodowej Operze Izraelskiej – w Traviacie i Carminie Buranie. Współrealizował wiele choreografii teatralnych i telewizyjnych. Do takich należą m.in.: choreografie do spektaklu muzyczno-baletowego pt. Siedem Bram Jerozolimy (Opera Narodowa, 2008). Powstały na jego podstawie film TVP otrzymał nominację do International Emmy® Award w USA (2009). Współrealizował choreografię do opery Turandot w Operze we Wrocławiu (2010). Z okazji roku Chopinowskiego organizował i współtworzył choreografię do programu TVP 2 Chopin4 z opracowaniem muzycznym Włodka Pawlika (2010). We współpracy z Narodową Operą Izraelską współtworzył choreografie do widowisk operowych: Traviata (Tel Aviv, 2014) i Carmina Burana (Tel Aviv, 2015) w reż. Michała Znanieckiego. Dla Opery Wrocławskiej realizował choreografię do opery Turandot (2008) oraz dla Opery na Zamku w Szczecinie Traviatę (2016) – obie w reż. M. Znanieckiego.

„Stół bez szczęścia" Kielecki Teatr Tańca
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca.

Choreografia: Elżbieta Pańtak,
Muzyka: Abel Korzeniowski,

Obsada:
dziecko: Arkadia Ślósarska,
matka : Joanna Polowczyk,
ojciec: Grzegorz Pańtak,
Obsługa techniczna: Piotr Sarnecki, Paweł Lato, Paweł Mańkowski, Adam Bakalarz,
Kostiumy: Elżbieta Pańtak,
Reżyser oświetlenia: Grzegorz Pańtak,
Czas: 25 min.

Przepiękna, wzruszająca opowieść o samotności i walce o uwagę drugiego człowieka.
Ukazuje przeżycia dziecka, które jest bacznym obserwatorem i świadkiem relacji istniejących
między rodzicami. Spektakl w bardzo emocjonalny sposób pokazuje radość dziewczynki
przeżywaną podczas, gdy rodzice okazują sobie uwagę i uczucie oraz smutek i strach dziecka
widzącego niezgodę między ukochanymi osobami.

Czasami trzeba być obok i czyjąś małą dłoń
zamknąć w swojej dużej dłoni.
Czasami trzeba spojrzeć głęboko
i uważnie w beztroskie oczy dziecka
bo dziecko boi się świata.

ELŻBIETA PAŃTAK
Tancerka, pedagog tańca, choreograf. Współzałożyciel i dyrektor Kieleckiego Teatru Tańca, jednego z trzech zawodowych instytucjonalnych teatrów tańca w Polsce. Teatr ten założyła początkowo jako prywatny w 1995 roku a w 1998 roku przekształciła w stowarzyszenie na stałe zatrudniające tancerzy na etatach. W 2004 roku uchwałą Rady Miasta Kielce powołano Kielecki Teatr Tańca jako miejską instytucję kultury. Aktualnie w Teatrze zatrudnionych jest 36 pracowników etatowych, 25 pedagogów tańca w Szkole Tańca działającej przy Teatrze, do której na stałe uczęszcza miesięcznie ok. 1000 dzieci, młodzieży i dorosłych. Absolwentka Uniwersytetu Łódzkiego – Kulturoznawstwo specjalizacja teatrologia. Odbyła studia podyplomowe na kierunku teoria tańca na Akademii Muzycznej w Warszawie. Wiedzę z zakresu stylów tańca jazzowego poszerza od 1994 u pedagogów paryskich szkół tańca Centre International de danse Jazz i Studio Harmonic. Jest współzałożycielką Polskiej Federacji Tańca. Ukończyła wiele kursów dokształcających z dziedziny tańca jazzowego i charakterystycznego. Pracuje w Polsce i zagranicą jako choreograf, nauczyciel tańca, wykładowca, sędzia konkursów tanecznych.

„ROZKOSZ" Teatr ROZBARK

Choreografia: Jakub Lewandowski,
Asystentka choreografa: Dominika Wiak,
Scenografia i kostiumy: Jakub Lewandowski,
Muzyka: Michał Lis,
Reżyseria świateł: Paweł Murlik,
Tańczą: Dominika Wiak, Wojciech Furman, Daniel Leżoń, Oscar Mafa, Paweł Urbanowicz, Michał Woźnica.
Czas: 60 min.

Spektakl został zakwalifikowany do selekcji finalnej w konkursie na prezentację w ramach Polskiej Platformy Tańca 2019.

Spektakl dla widzów 15+. W spektaklu pojawia się nagość.

-„co by się stało z człowiekiem, z rodzajem ludzkim, wyposażonym w „najostrzejszy" „największy" apetyt na przekraczanie kolejnych granic oraz coraz bardziej ekscytujących, rozkosznych wrażeń
i doznań – gdyby nie kulturowe obwarowania: normy, nakazy, zakazy, ustawy, różnego pochodzenia moralne i etyczne regulacje?"
„Rozkosz w kulturze" Ł. Wróblewski, A. Giza

Najeść się, nażreć, „nażyć", obkupić, żeby urwać z doczesności jak najwięcej. Więcej mocy, więcej cali, więcej paneli, więcej pikseli, więcej złota, więcej żarcia, więcej, więcej, więcej...
Fałsz przeczy pięknu, a jednak dajemy się nabrać. Wraz z trwaniem spektaklu bohaterowie coraz bardziej będą obnażać swoją naturę, odsłaniać wypełniającą ich od wewnątrz brzydotę.
ONI – będą powoli zrzucać swe maski:
Mówiąc – bez zrozumienia
Jedząc – bez opamiętania
Tańcząc – bez rytmu
Myśląc – o sobie
I Niszcząc – innych.
Ile Diabła w Aniele, tyle Zwierzęcia w Człowieku.
A jeśli na scenie w którymś momencie naprawdę pojawi się dzikie zwierzę – przyjdzie zadać pytanie – co widzimy naprawdę... ?

JAKUB LEWANDOWSKI
Stypendysta Centre Choregraphique Mathilde Monnier National de Montpellier we Francji. Absolwent Pedagogiki Artystycznej na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu. W roku 2010 uhonorowany przez Marszałka Województwa Śląskiego Nagrodą Artystyczną dla Młodych Twórców. W roku 2011 został laureatem Stypendium Artystycznego w Dziedzinie Kultury Województwa Śląskiego. Czterokrotnie nominowany do Nagrody Artystycznej ZŁOTA MASKA. Laureat tej nagrody w roku 2011 za choreografię do spektaklu „Hotel Nowy Świat" w Teatrze Polskim w Bielsku-Białej. Spektakl ten, bez słów, oparty na ruchu, został wystawiony także w Teatro a Corte Torino we Włoszech, gdzie odniósł ogromny sukces. W roku 2015 spektakl „Cyrulik Sewilski" Gioacchino Rossini w Teatrze Wielkim, do którego stworzył choreografię, otrzymał nagrodę ZŁOTA MASKA za najlepszy spektakl roku. W 2017 roku autorski spektakl pt.„Melancholia" otrzymał główną nagrodę za najlepszą choreografię podczas festiwalu Warsaw Zawirowania Dance w Warszawie. W roku 2018 w/w spektakl otrzymał główną nagrodę za najlepszy spektakl na Międzynarodowym Festiwalu Solo Duo w Budapeszcie oraz był Finalistą The SOLO DANCE CONTEST 2018 w Gdańsku. Na stałe Jakub Lewandowski współpracuje z takimi reżyserami jak: Radosław Rychcik, Magdalena Piekorz, Nikołaj Kolada, Monika Strzępka czy Robert Talarczyk. Autor choreografii do kilkudziesięciu spektakli w Operach i Teatrach Dramatycznych w Polsce i za granicą.

DOMINIKA WIAK
Absolwentka Wydziału Teatru Tańca PWST w Krakowie. Współpracuje z Teatrem im. Juliusza Słowackiego w Krakowie oraz Teatrem Śląskim w Katowicach. Występuje w m.in. spektaklach: Radosława Rychcika, Eweliny Marciniak, Eryka Makahona, Macieja Kuźmińskiego, Jakuba Lewandowskiego oraz Sylwii Hefczyńskiej-Lewandowskiej. Zdobywczyni nagrody BEST SOLO za spektakl „Melancholia" Jakuba Lewandowskiego oraz nagród BEST SOLO oraz AUDIENCE AWARD za spektakl „inner place" na Międzynarodowym Konkursie Choreograficznym Solo/Duo w Budapeszcie. Zdobywczyni I nagrody za solo „Melancholia" na Ogólnopolskim Festiwalu ZAWIROWANIA DANCE w Warszawie. Tancerka w spektaklu „Room 40" Macieja Kuźmińskiego nagrodzonego przez publiczność podczas Polskiej Platformy Tańca w 2014 roku. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wybitne osiągnięcia artystyczne. Dwukrotnie uczestniczka projektu badawczego tańca w Chinach.

DANIEL LEŻOŃ
Absolwent Wydziału Teatru Tańca w Bytomiu, Akademii Sztuk Teatralnych im. St. Wyspiańskiego w Krakowie. Obecnie występuje na deskach Och-Teatru, w spektaklu „Bal Manekinów", reż. Jerzy Stuhr oraz koordynuje projekty twórcze Imagination Space Center. Zdobywał wiedzę, umiejętności i narzędzia do świadomego uczestniczenia w procesach społecznych i kulturotwórczych studiując polonistykę na PWSZ w Tarnowie, Theatre Arts with Dance & Movement na Uniwersytecie w Derby oraz na Wydziale Reżyserii Dramatu w Państwowej Wyższej Szkole Teatralnej im. L. Solskiego w Krakowie. Asystent prof. Jerzego Święcha w roku akademickim 2014/15 oraz prof. Allena Kuharskiego w roku 2017/18. W 2017r. uczestniczył w 3rd China-CEEC Summer Dance Camp w Chengdu oraz projekcie badawczym dr. Jacka Łumińskiego Oral History of Dance in China w prowincji Syczuan. Od 2011r. aktor/ tancerz/ pedagog w międzynarodowych projektach teatru Stella Polaris z Norwegii; w 2016r. choreograf spektaklu „Circo Vita: i hvalens buk" reż. Per Spildra-Borg. Inne spektakle: „Iwona księżniczka Burgunda", reż. Ewa Wyskoczyl (2014), „Nowe Ateny", reż. Maciej Gorczyński (2016), „Bezdech", chor. Sylwia Hefczyńska-Lewandowska (2017).

WOJCIECH FURMAN
Praktykę taneczną rozpoczął w wieku 16 lat, od sportowego tańca towarzyskiego, z czego intensywnie korzysta do dziś. Z czasem wsiąknął w kontakt improwizację i taniec współczesny. Obecnie realizuje projekty w obszarze teatru i wideo tańca, mi.in: „SIKSIKA" (chor. Anna Krysiak, prod. STW Poznań), „Composer" (chor. Paulina Jaksim, PTT), „Myśl Ucieleśniona" (chor. Agnieszka Doberska). Współpracuje z Danielem Stryjeckim jako tancerz przy projektach video mappingu oraz z grupą Mozaika przy formach teatru tańca dla dzieci. Tańczył w ZEA, Niemczech, Rumunii, na Litwie i w Polsce. Na co dzień studiuje „Taniec w Kulturze Fizycznej" na AWF w Poznaniu oraz uczy się, korzystając m.in. z praktyki Fighting Monkey. Swoje myślenie o ruchu gromadzi pod hasłem „movement processing", gdzie szuka zorganizowania ruchu poprzez biomechaniczną komunikację i dostrojenie ciała, wykorzystując potencjał tkanek powięziowych i generując różnorodność propriocepcyjną. Nauczyciele, którzy kształtowali jego ruch i myślenie to m.in.: Joseph Frucek, Linda Kapetanea, Iwona Olszowska, Paulina Wycichowska, Alexandros Anastasiadis (Ultima Vez), Frey Faust, Edivaldo Ernesto, Matan Levkowich, Ray Chung, Witold Jurewicz, Sebastian Flegiel.

OSCAR MAFA
Pochodzi z Mysłowic, względnie też z Pretorii. Aktor, tancerz, student roku dyplomowego Akademii Sztuk Teatralnych w Krakowie im. St. Wyspiańskiego na Wydziale Teatru Tańca w Bytomiu. Wystąpił w spektaklach: „Gdzie jest Paweł?" w reżyserii Jana Peszka, „Stany Skupienia" w choreografii Jacka Przybyłowicza, „1725 m.n.p.m." w choreografii Joanny Chułek w ramach programu Scena dla tańca, „Konformista" w reżyserii Bartosza Szydłowskiego w Teatrze Łaźnia Nowa w Krakowie, „Carmen" w reżyserii Andrzeja Chyry, „Skazany na bluesa" w reżyserii Arkadiusza Jakubika, „Lorem Ipsum" w reżyserii Pawła Urbanowicza, „Rajza po Kaufhauzie" w koncepcji Doroty Furmaniuk oraz „Polonez alla Polacca" na niemiecką nutę w reżyserii Sebastiana Majewskiego. Finalista 7. edycji konkursu choreograficznego 3,2,1...taniec! oraz międzynarodowego festiwalu OPUS 1 za etiudę taneczną „5,6,7,i" w choreografii współtworzonej z Victorią Herczek. Członek nieformalnego kolektywu teatralnego Vagabond Physical Collective.

PAWEŁ URBANOWICZ
Absolwent Wydziału Teatru Tańca w Bytomiu, Państwowej Wyższej Szkoły Teatralnej im. L. Solskiego w Krakowie. Współpracował m.in. z Ineke Dubois (Codarts University for the Arts w Rotterdamie, Holandia), Jerzym Stuhrem, Edanem Gorlickim, Brianem Michaelsem (w Folkwang University of the Arts w Essen, Niemcy), Sylwią Hefczyńską-Lewandowską, Maciejem Gorczyńskim, Wojciechem Mochniejem (W & M Physical Theatre in Calgary, Kanada). Członek Stowarzyszenia Aktywności Społeczno-Artystycznej „Nie Po Drodze", Living Space Theatre oraz Vagabond Physical Collective. Jako tancerz kształcił się głównie w Polskiej Technice Tańca Współczesnego Jacka Łumińskiego, lecz jego alfabet ruchowy silnie bazuje również na technice Limona, Obstruction Technique, Floor Work i Dynamic Phrasing Macieja Kuźmińskiego czy Fighting Monkey Jozefa Frucka. Jako aktor i reżyser korzysta głównie z doświadczenia zdobytego podczas wieloletniej współpracy z Janem Peszkiem. Podczas tworzenia kreacji scenicznych bazuje na technikach aktorskich Michaiła Czechowa oraz zasadach kompozycji teatru instrumentalnego Bogusława Schaeffera.

MICHAŁ WOŹNICA
Tancerz, aktor, choreograf, czterokrotny zwycięzca maratonu tanecznego im. Bill'ego Haleya. Studiował w Państwowej Wyższej Szkole Teatralnej im. Ludwika Solskiego w Krakowie, specjalizacja Aktor Teatru Tańca (obecnie Akademia Sztuk Teatralnych im S. Wyspiańskiego). Taniec zajął kluczowe miejsce w jego życiu. Jako inspirację do twórczości artystycznej wybrał styl amerykańskich tańców swingowych z lat 20-tych, 30-tych i 40-tych. Prowadził agencję eventową „Swing Step", w ramach której organizował i występował w widowiskach rozrywkowych opartych na żywiołowych tańcach swingowych w unikalnej formule łączącej takie style jak lindy hop, authentic jazz, charleston, boogie woogie, rock and roll, shag, balboa i tzw. aerials/airsteps (elementy akrobatyki). W 2009 roku zdobył Mistrzostwo Polski w Rock and Roll'u lat 50-tych na turnieju w Zawierciu organizowanym przez Polskie Stowarzyszenie „Boogie Woogie". W tym samym roku w kategorii „Boogie Woogie" zdobył również Mistrzostwo Warszawy, zajął III miejsce na Mistrzostwach Polski oraz vice mistrzostwo w klasyfikacji Grand Prix Pucharu Polski w „Boogie Woogie". Startował w World Cup Boogie Woogie (WRRC) w Niemczech, Austrii i Finlandii. Półfinalista pierwszych edycji programów: „Mam Talent" (2008) oraz „Tylko Taniec" („Got to Dance", 2012). Wielokrotnie występował również w programie „Jaka to Melodia" (2009-2012) oraz „Jak Oni Śpiewają" (2011). Współpracował i występował w spektaklach m.in. Jacka Łumińskiego, Palle'go Granhøj, Jozefa Frucek, Anny Piotrowskiej, Wojciecha Kościelniaka, Jakuba Lewandowskiego, Sylwii Hefczyńskiej, Piotra Cieślaka, Anny Baumgart, Lorenza Salveti, Dominiki Knapik, Waldemara Raźniaka, Janusza Skubaczkowskiego, Claudii Jeschke. Od 2008 roku prowadzi warsztaty taneczne i animacje dla dzieci podczas balów, zabaw i urodzin.
„Dobre Wychowanie" Grupa Wokół Centrum
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca.
Choreografia: Agata Moląg,
Tańczą: Anna Chmiel-Kowalska, Monika Świeca, Dominika Wiak, Marta Wołowiec,
Muzyka: Marcin Janus,
Producent: Nowohuckie Centrum Kultury – Krakowskie Centrum Choreograficzne,
Czas: 70 min.

Całe dzieciństwo słyszeliśmy „bądź grzeczny", „zachowuj się jak należy". Ale co to dokładnie oznacza? Ciekawe czy nasi rodzice mieli pełną świadomość tego, jakiego człowieka kształtują i „co z nas wyrośnie". Zapraszamy na spektakl o tym, jaki wpływ na nasze dorosłe życie mają zasady wpojone nam w dzieciństwie. To będzie spektakl o dojrzewaniu, tym fizycznym i mentalnym, o wspomnieniach i ich sile, o dorosłości i związanych z nią oczekiwaniach. To będzie spektakl o kobietach, dziewczynkach, nastolatkach, matkach i córkach i ich relacjach, które często ciężko jest zrozumieć.

AGATA MOLĄG
Kierownik Krakowskiego Centrum Choreograficznego w latach 2015-2018, współzałożycielka i tancerka Grupy Wokół Centrum, pedagog tańca współczesnego i baletu. Praktyk i teoretyk tańca (Wiedza o teatrze na UJ). Ukończyła Społeczną Szkołę Baletową w Krakowie otrzymując Dyplom Tancerza-Choreografa. Od 2007 do 2015 roku tancerka w stałym składzie Krakowskiego Teatru Tańca, z którym zrealizowała 14 premier, w tym jeden spektakl solowy „Blondi. Próba". Współtworzyła i koordynowała wiele inicjatyw tanecznych i wydarzeń artystycznych: BalletOFFFestival, Festiwal Tańca Współczesnego SPACER, konkurs choreograficzny 3...2...1...TANIEC! oraz edukacyjnych jak taniec.edu. Jako kierownik KCC odpowiadała za koncepcję Krakowskiego Centrum Choreograficznego nadając mu kierunek rozwoju poprzez działalność regularną oraz pisząc projekty. Obecnie w KCC skupia się głównie na pracy artystycznej i choreograficznej, prezentując spektakle między innymi w ramach Polskiej Sieci Tańca. Dla Grupy Wokół Centrum stworzyła repertuarowe spektakle sceniczne i uliczne: „Makia", „Płaczki", „38° C", „Dobre Wychowanie" i kolektywnie multimedialny „spectral layers of movement".
„PLATEAU", Teatr ROZBARK

Choreografia, dźwięk: Maciej Kuźmiński,
Reżyseria, koncepcja, dramaturgia: Maciej Kuźmiński i Paul Bargetto,
Teksty, prowadzenie aktorskie: Paul Bargetto,
Scenografia i kostiumy: Ilona Binarsch,
Reżyseria oświetlenia: Paweł Murlik,
Asystent choreografa: Paweł Urbanowicz,
Kreacja i wykonanie: Monika Witkowska. Karolina Kardasz, Oscar Mafa, Paweł Kozłowski, Wojciech Marek Kozak, Alexey Torgunakov,
Druga obsada: Wiktoria Zawadzka, Omar Karabulut,
Produkcja: Teatr ROZBARK,
Współpraca: Maciej Kuźmiński Company, Teatr Trans-Atlantyk,
Czas: 90 min.

Spektakl dla widzów 15+. W spektaklu pojawia się nagość.

Inspiracją twórców jest profetyczny esej filozofa Gillesa Deleuze'a i psychoanalityka Félixa Guattariego „Tysiąc plateau – drugi tom Kapitalizmu i schizofrenii" z 1980 roku. Dzieło to na wiele sposobów przepowiedziało niestabilną i chaotyczną erę cyfrową, tę, w której żyjemy. Jako ludzkość przechodzimy dziś głęboki kryzys identyfikacji. Swą trwałość utraciły tradycyjne przekonania, narracje historyczne, tożsamości narodowe, natura pracy, religia, prawda, a nawet zdrowy rozsądek, utraciły swą trwałość. Pojęcia „tożsamości" i „rzeczywistości" wydają się całkowicie arbitralne i niepoznawalne, gdy napędza je globalizacja, turbokapitalizm i niezbadana moc internetu. Absurd, jeszcze niedawno nie do pomyślenia, stał się powszechny. Zwolennicy teorii spiskowych, populiści, szaleńcy i nacjonaliści, jeszcze do niedawna stanowiący margines społeczeństwa, urośli w siłę przejmując stery rządów i włączając się do głównego nurtu życia społecznego. W parze z nimi idzie wszechwładny etos wolnego rynku, fetysz sprzedawania, zwyciężania za wszelką cenę, kapitalistyczna wolna amerykanka. Młody zespół taneczny na scenie staje się ikoną współczesności, z cyrkową zręcznością przyjmuje kolejne role i tożsamości, z których każda jest błyskotliwa, oszałamiająca, markowa. To bigos i Monty Python, Techno Viking i Czarna Madonna.

MACIEJ KUŹMIŃSKI
Choreograf, tancerz, pedagog, producent. Ukończył z wyróżnieniem studia MA Choreography oraz BA Dance Theatre w Konserwatorium Muzyki i Tańca Trinity Laban w Londynie. Od września 2016 kierownik artystyczny Teatru Tańca Caro w Siedlcach. Jego niezależne produkcje tworzą repertuar Maciej Kuźmiński Company. Inicjator i organizator Polskiej Sieci Tańca. Od 2014 roku prace Kuźmińskiego prezentowane były ponad 100 razy w Anglii, Niemczech, Izraelu, Brazylii, Kanadzie, Austrii, Finlandii, Holandii, Słowenii, Czechach, Serbii, Macedonii, na Ukrainie i Białorusi, w Armenii, Gruzji, we Włoszech, na Węgrzech oraz wielokrotnie w Polsce. Twórca zdobył kilkanaście nagród za choreografię, w tym Nagrodę Publiczności na Polskiej Platformie Tańca 2014, II Nagrodę i Nagrodę Scapino Ballett Award na Międzynarodowym Konkursie Choreograficznym w Hanowerze w 2016 roku, czy I Nagrodę, Nagrodę Krytyki oraz Nagrodę Specjalną na międzynarodowym Konkursie Miniatur choreograficznych w 2017 roku Belgradzie w Serbii.

„She War Saw" Stefano Silvino (Włochy)

Choreografia: Stefano Silvino,
Tańczą: Stefano Silvino, Agata Urbaniak, Aleksandra Sawko, Diana Landa, Kalina Borek, Karolina Kowalczyk, Katarzyna Zakrzewska, Nina Bebowiak, Wiktoria Sobocinska.
Czas: 50 min.

To drugi autorski projekt taneczny Stefano Silvino. Celem obu projektów jest praca z młodymi tancerzami wywodzącymi się z różnych środowisk tanecznych (taniec współczesnych, jazzowych, hip-hopowych).

Inspiracją do powstania spektaklu „She War Saw" było miasto Warszawa, w którym od 4 lat mieszka, tworzy i pracuje Stefano. Przedstawienie jest dokumentem osobistej wizji kilku punktów na mapie miasta, które zwróciły uwagę artysty. Pierwszą i najważniejszą inspiracją jest Pałac Kultury, serce stolicy, które wśród autochtonów niestety cieszy się złą opinią. Z czego to wynika? Czy wiąże się z trudną historią, przez którą kraj przeszedł?

Kolejną fascynacją jest kontrast między starą zabudową, a współczesnymi dokonaniami architektów. Twórcy idą dalej, pytają jaki wpływ na starą społeczność, mieszkańców ma błyskawiczny rozwój miasta? Dokąd zmierzamy?

„Kręcipupa" Koprodukcja Fundacji LALE.Teatr i Wrocławskiego Teatru Lalek.
Spektakl zrealizowany ze środków finansowych Miasta Wrocław.

Reżyseria, scenariusz i scenografia: Tomasz Maśląkowski,
Muzyka: Grzegorz Mazoń,
Choreografia: Maćko Prusak,
Obsada: Tomasz Maśląkowski, Grzegorz Mazoń,
Czas: 30 min +15 zabawa
Wiek: 1-5.

Uspokój się. Usiądź choć na chwilę. Przestań się KRĘCIĆ.
Nie mogę. Nie chcę!

Muzyczno-ruchowy spektakl dla najnajmłodszych i ich rodziców. Opowieść o niepowstrzymanej potrzebie ruchu i niemożności powstrzymania się od KRĘCENIA.
KRĘCIPUPA przenosi widza w świat abstrakcji plastycznej, wykorzystując w tym celu przedmioty codziennego użytku. Domowa przestrzeń, w której rozgrywa się akcja przedstawienia, nabiera nowych znaczeń, otwierając widza na nieoczekiwane skojarzenia i rozbudzając jego wyobraźnię.
UWAGA: Udział w spektaklu grozi napadami wesołości. Może wystąpić problem z powstrzymaniem się od tańca. Poważni rodzice wchodzą na własną odpowiedzialność.

SCENA BECEK
„RITE OF SPRING (Made in China)" | Quorum Ballet (Portugalia/Chiny)

Dyrektor Artystyczny, koncepcja, choreografia: Daniel Cardoso,
Choreografia gościnna: Xie Xin,
Muzyka: Igor Stravinsky,
Kompozytor/Muzyka: Jorge Silva,
Dramaturgia: Pedro Alves,
Kierownik baletu: Rui Reis,
Tańczą: Beatriz Graterol, Cola-Ho, Daniel Cardoso, Eva Branco, Fernando Queiroz, Filipe Narciso, Inês Godinho, Laura Abel, Margarida Carvalho, Mariana Matos, Patryk Zamojski, Pedro Jerónimo, Sara Casal e Sofia Luz,
Światła: Rui Daniel, Daniel Cardoso
Przestrzeń sceniczna: Hugo F. Matos and Daniel Cardoso,
Video: Ricardo Reis,
Kostiumy: Li Kun
Współprodukcja: Quorum Ballet, Magic Flute Co.
Produkcja: Raquel Vieira de Almeida
Czas: 80 min.

Rite of Spring / Święto wiosny
Quorum Ballet, zgodnie z wielowiekową tradycją portugalskich podróży dookoła świata, swoje najnowsze przedstawienie przygotował we współpracy z Chinami, skąd zaczerpnął mnóstwo inspiracji, wpływów, wiedzy i historii. Przedstawienie oddaje skrzyżowanie dróg historii Portugalii i Chin, przypomina również tych chińskich artystów, z którymi Portugalczycy spotkali się i pracowali. Ich spotkania i ich podróże stały się zaczynem przedstawienia.

To nie czas jest wartością wydarzeń, ale intensywność, z jaką się dzieją. To sprawia, że chwile są niezapomniane a ludzie – wyjątkowi! (Fernando Pessoa)

Przedstawienie, podobnie jak prapremierowa wersja Baletów Rosyjskich z 1913 r., stara się zerwać z tradycją. W tej inscenizacji tradycję stanowi muzyka Igora Strawińskiego i klasyczna choreografia Wacława Niżyńskiego. Rite of Spring / Święto wiosny to przestrzeń, w której portugalscy i chińscy artyści spotykają się w zespołowym, burzącym kanony przedstawieniu. Finałowy akord spektaklu czerpie inspiracje z terakotowej armii cesarza Qin Shi Huanga.

QUORUM BALLET to zespół tańca współczesnego założony w 2005 roku, przez jej dyrektora artystycznego, choreografa i tancerza Daniela Cardoso. Na arenie międzynarodowej zespół prezentował swoje prace m.in. w Danii, USA (New York), Polsce, Singapurze, Niemczech, Szwajcarii, Makao, Chinach, Hiszpanii, Serbii, Ekwadorze, Holandii, Cyprze, Algierii, Rumunii, Finlandii i Tajlandii. W 2009 roku Quorum Ballet otrzymał nagrodę dla Najlepszego Zespołu Tańca Współczesnego w pierwszej edycji Portugal Dance Awards, a w sierpniu 2011 roku zespół został uznany najlepszą grupą taneczną, podczas 14 edycji festiwalu de Castilla y León w Hiszpanii.

„ We_selle",
Spektakl prezentowany w ramach Polskiej Sieci Tańca, której organizatorem jest Instytut Muzyki i Tańca

Choreografia: Wojciech Mochniej,
Light concept: Steve Isom, Wojciech Mochniej,
Dramaturg: Marcin Miętus,
Muzyka: Wojtek Frycz,
Współproducent: Aleksandra Machnik,
Występują: Katarzyna Pawłowska, Katarzyna Kubalska, Monika Witkowska, Daniela Komędera, Wojciech Mochniej, Wojciech Kaproń, Tomasz Ciesielski, Paweł Urbanowicz, Dominika Wiak,
Czas: 65 min.

„We_selle" to projekt multimedialny łączący istotę Physical Theatre, wykorzystujący różne techniki tańca współczesnego, performensu, improwizacji z projekcjami video i tworzonymi na żywo sound scape'ami. Punkt wyjścia oraz główną oś spektaklu stanowi ceremonia zaślubin, która w sposób szczególny pokazuje przekrój osobowościowy weselników, ich skomplikowane relacje i wewnętrzną potrzebę rutyny. To przełomowy moment w życiu pary młodej, związany z tradycją i próbą utrzymania jej ciągłości. Wesele to nie tylko rezerwuar rozrywki, ale czas podpatrywania siebie nawzajem, dokonywania w duchu rachunku sumienia, a co za tym idzie kreowania samego siebie wobec innych.

W ruchowym spektaklu pobrzmiewają echa klasyki: „Wesela" Wyspiańskiego, z którego zaczerpnięty został motyw rozpadu wspólnoty i relacji międzyludzkich, „Ślubu" Gombrowicza jako próby walki z formą oraz problemem komunikacji. W „We_sellu" nie zabrakło też odwołań do kultury współczesnej i popularnej, choćby do filmów Wojciecha Smarzowskiego, który moment wesela potraktował jako sytuację, w której, jak w soczewce, skupiają się wady człowieka i na jaw wychodzą demony, które w nim drzemią.

WOJCIECH MOCHNIEJ
Tancerz, choreograf, pedagog. Urodzony i wychowany w Lublinie. Obecnie mieszka i pracuje w Kanadzie, gdzie prowadzi swój zespół. W latach 1991-1994 był tancerzem Śląskiego Teatru Tańca. W 1994r. Wspólnie z Melissą Monteros założył Gdański Teatr Tańca oraz Gdańską Szkołę Tańca Współczesnego (1994-2001). W 2002r. GTT zmienił nazwę na W&M PHYSICAL THEATRE. Pracując nieprzerwanie (przez ponad dwadzieścia lat) zespół występował w min. w Austrii, Estonii, Finlandii, Francji, Niemczech, Włoszech, Polsce oraz Kanadzie, gdzie teraz mieści się jego siedziba.
Jego prace solowe były prezentowane min. w Calgary, na Festiwalu „Full Moon Dance" w Finlandii, w Teatrze Narodowym w Warszawie oraz w wielu ośrodkach tańca w Polsce. Mochniej był artystą rezydentem w Bruckner Conservatory (Austria) oraz na wielu festiwalach w Polsce i za granicą. Stworzył choreografię w polskiej edycji „You can dance". W Calgary był członkiem Theatre Junction Company of Artist oraz gościnnym nauczycielem zespołu Decidedly Jazz Danceworks. Magazyn „Dance Europe" nagrodził jego solową pracę „Just po prostu" jako najlepszy performance w kategorii „Male Dancer". Otrzymał nagrodę miasta Gdańska i Lublina za zasługi dla tańca współczesnego w Polsce. Mochniej jest nie tylko tancerzem i choreografem, ale także wykładowcą na Uniwersytecie Calgary na Wydziale Tańca. Prowadzi zajęcia z tańca współczesnego, choreografii, dance and the camera, improwizacji, performance i repertuaru. W 2018 r zrealizował spektakl pt. „We_selle" w ramach programu Zamówienia choreograficzne 2018 Instytutu Muzyki i Tańca.

„Tańce polskie" Mały Śląsk (Polska)

„The Storm" | James Wilton Dance (Wielka Brytania)

Choreografia: James Wilton,
Muzyka: Composed by Amarok,
Światła: James Wilton,
Kostiumy: Sarah Jane Taylor,
Czas: 70 min.

Siedmiu tancerzy o niezwykłych umiejętnościach, ścieżka dźwiękowa z piorunującym elektro-rockiem skomponowana przez Amaroka i tysiące kawałków papieru łączą się, tworząc dzieło, które
zapiera dech w piersiach.
Burza. Nie widzisz wiatru, ale zmiany, jakie przynosi. Nie widzisz nieszczęścia, ale to, jak zmienia ono ludzi. Przygnębienie staje się depresją, z depresji rodzi się burza. Gdy jest ci smutno słyszysz od ludzi: wszystko rozwieje wiatr. Czy to wszystko wybuchnie? Ta Burza rozwieje widownię!

JAMES WILTON DANCE zespół założony w 2010 roku, szybko zyskał uznanie krytyków w kraju i za granicą, zostając jednocześnie laureatem wielu prestiżowych nagród. W swoim dorobku zespół posiada ponad 170 produkcji. Zespół zdobył liczne nagrody, w tym: The Sadler's Wells Global Dance Contest, III nagroda w Międzynarodowym Konkursie Choreografów w Hanowerze (2012), Nagroda Publiczności na 16Masdanza, III nagroda na The Berner Tanzprize, czy nominacja do nagrody Dance Dance w Manchester Theatre.

James Wilton jako choreograf współpracował z: Scottish Dance Theatre, Ballet Hagen, Oper Graz, Stadttheater Geissen, Konzert Theater Bern i Tanztheater Münster. Oprócz działalności artystycznej zajmuje się również szeroko rozumianą edukacją, prowadząc warsztaty dla szkół, uczelni, uniwersytetów, dla młodych ludzi i grup zrzeszających osoby niepełnosprawnych. James Wilton to jeden z czołowych brytyjskich choreografów, znany z tworzenia zapierającej dech w piersiach choreografii.

„MNEMOSYNE" Kamea Dance Company (Izrael)

Choreografia: Tamir Ginz,
Tańczą: Ayelet Alfo, Sagi Baleli, Jonatan Bukschtein, Tom David, Lorris Eichinger, Noam Ephron, Eddy Hersaut Calazel, Einav Kringel, Lou Landre, Alma Lauer, Rona Lerner, Vladislav Panasyuk, Peter Starr, Elliot Thompson,
Muzyka: Avi Belleli,
Dramaturgia: Yoav Michaeli,
Kostiumy: Inbal Ben Zaken,
Scenografia: Adam Keller,
Światła: Shay Yehudai,
Czas: 65 min.

Wspomnienia budują i burzą, ścigają – ale i gasną... Skąd idę, dokąd zmierzam, czego jestem częścią?
Przedstawienie jest opowieścią o zbiorowej tożsamości i dziedzictwie, o świętowaniu i rytuałach zderzonych z osobistą tożsamością, którą kształtują indywidualne wspomnienia. Nikt przecież samodzielnie nie przezwycięży zbiorowej opowieści.
Tamir Ginz (choreografia) i Avi Belleli (muzyka) po raz trzeci wspólnie stworzyli przedstawienie unikatowe. Mnemosyne to nowy krok na drodze rozwoju zespołu, unikalny alfabet ruchowy Ginza tworzony dla Kamea Dance Company. Premiera uświetniła piętnastolecie działalności zespołu.
KAMEA DANCE COMPANY to jeden z najważniejszych izraelskich zespołów tańca współczesnego.
Zespół znany jest z wyjątkowego stylu, który łączy w sobie silne motywy dramatyczne i intensywny ruch wirtuozowski. Dyrektor artystyczny Tamir Ginz tworzy kolorowe i pełne ekspresji choreografie.
Kamea Dance Company cieszy się uznaniem krytyków i publiczności zarówno, w Izraelu, jak i poza granicami kraju. Zespół tworzy 14 wszechstronnie utalentowanych, pełnych pasji tancerzy. Na bogaty repertuar zespołu składają się zarówno choreografie własne, jak i dzieła uznanych na całym świecie choreografów gościnnych. Zespół zaangażowany jest również w projekty społeczne i edukacyjne.

WARSZTATY
Masterclassy / Studio A / 22-23 czerwca 2019
Daniel Cardoso 10:00 – 13:00 (22-23 czerwca 2019) 300 zł za dwa dni.
Małgorzata Mielech 13:30 – 16:30 (22-23 czerwca 2019) 300 zł za dwa dni.

Udział w warsztatach możliwy jest po zakupie karnetu i przesłaniu uzupełnionej karty zgłoszenia na adres bow@teatrrozbark.pl.

Kartę zgłoszenia należy uzupełnić o cztery wybrane bloki zajęć, w których chcą Państwo uczestniczyć. Ilość miejsc na warsztatach jest ograniczona. O przyjęciu decyduje kolejność zgłoszeń.

Karnet uprawniający do udziału w czterech wybranych blokach zajęć:
• przedsprzedaż do 10 czerwca (poniedziałek) 500 zł (zakup możliwy tylko poprzez sklep Teatru ROZBARK),
• cena regularna od 11 czerwca (wtorek) 600 zł (zakup możliwy tylko poprzez sklep Teatru ROZBARK),
• cena dla uczestników zajęć stałych Teatru ROZBARK 400 zł (zakup możliwy tylko w kasie Teatru ROZBARK).

Afro tradycyjne / Dunia Pacheco (Angola)
Taneczna technika afro-house bazuje na tańcach afrykańskich. Koncentruje się na indywidualnej interpretacji muzyki, opartej na zbiorze ruchów różnych partii ciała (specyficznych dla kultury kraju, z którego pochodzą).

Afro House / Dunia Pacheco (Angola)
Afro dance to mieszanka różnych stylów tanecznych, tradycyjnych oraz współczesnych, pochodzących z wielu krajów Afryki. Zajęcia Afro Dance to jednak nie tylko taniec, nie tylko kroki i technika, a także, albo raczej przede wszystkim dobra zabawa, pozytywna energia i śmiech oraz dużo spalonych kalorii.

Vinyasa yoga / Gosia Kłaniecka (Polska)
Sekwencja asan ułożona jest w ten sposób, że płynnie przechodzimy z pozycji do pozycji. Każda sekwencja jest inna, więc zajęcia są różnorodne, czasem skupiamy się na jakiejś partii ciała, czasem na jakiejś grupie pozycji, albo przygotowujemy ciało łatwiejszymi pozycjami do wykonania trudniejszej. Zajęcia są dynamiczne, więc oprócz giętkości i siły pracujemy także nad kardio.

Tribal underground / Ira Kodiche (Francja) / asystent – Virginie Lienard
Technika Tribal underground bazuje przede wszystkim na klasyce, ale w niepowtarzalny sposób łączy również takie techniki jak jazz, modern i wiele innych.

Modern Fusion / Ira Kodiche (Francja)/ asystent – Virginie Lienard
Modern Fusion to etniczny modern jazz. Łączy elementy tańca arabskiego z różnymi stylami, takimi jak: hip-hop, modern jazz. Bardzo istotna jest w nim praca rąk, jako środka wyrazu, który stanowi wielką wartość interpretacyjną.

Instant composition / Victoria Kennett (Francja/W.Brytania)
W trakcie warsztatu pracować będziemy nad obecnością i dynamiką interakcji i podejmowanych decyzji w grupie. Poszukamy możliwości dostrojenia ciała i umysłu do naszej własnej wrażliwości, percepcji i intuicji, a także zdolności jednostki do postrzegania, inicjowania i wspierania wspólnych działań. Poruszone zostaną zagadnienia związane z INSTANT COMPOSITION i GROUP THINKING.

Creacion Permanente / Alan Fuentes-Guerra (Meksyk)
Warsztat improwizacji. Zajęcia zwiększają świadomość tancerza jako twórcy i wykorzystują improwizację jako wstępną wymówkę, która może następnie prowadzić do stworzenia choreografii. Zainspirowane ideą „nic nie jest nieistotne", ćwiczenia samoświadomości i autorefleksji zostaną poddane próbie a uczestnicy zachęceni do natychmiastowego działania. Przestawianie pomysłów i rozwijanie ich jest ostatecznym celem tego warsztatu. Na warsztat zapraszamy wszystkich bez względu na poziom zaawansowania.

Espacio Continuo / Alan Fuentes-Guerra (Meksyk)
Nawiązuje do idei, że żyjemy w świecie ciągłych zmian. Dlatego jako tancerze powinniśmy być świadomi tego faktu i pozwolić, aby nasza percepcja była otwarta i gotowa. Nasza uwaga musi być ostra i musimy być gotowi zaakceptować zmianę i iść z nią. Alan uczy techniki tańca współczesnego z naciskiem na pracę na podłodze; w celu zastosowania odczuć zebranych z podłogi do pionowej pozycji stojącej.

Więcej niż taniec / Piotr Mateusz Wach (Polska)
Laboratorium skierowane do wszystkich osób zainteresowanych tworzeniem autorskich wypowiedzi scenicznych - bez względu na stopień zaawansowania tanecznego czy aktorskiego - również dla studentów i absolwentów Akademii Sztuk Pięknych oraz wszystkich innych, zainteresowanych szeroko rozumianym performancem.

Taniec klasyczny dla tancerzy współczesnych / Ania Nowak (Polska-W.Brytania)
Podstawę zajęć stanowi metodyka tańca klasycznego. Podstawowy nacisk położony jest na świadome i funkcjonalne ustawienie ciała tancerza. Na zajęciach uczestnicy będą poznawać zasady przepływu energii, uczyć się rozluźnienia i likwidowania zbędnego napięcia, odkrywać zasady dynamiki, utrwalać umiejętność prawidłowego oddychania wspierającego ruch i jego przepływ. Celem zajęć jest odnalezienie naturalnego i maksymalnie efektywnego sposobu korzystania z techniki klasycznej, z uwzględnieniem zasad anatomicznych oraz mechanicznych cech ciała tancerza.

Taniec współczesny na bazie Cunninghama / Ania Nowak (Polska-W.Brytania)
Zajęcia oparte są na założeniach Merce'a Cunninghama. Opierają się na podstawowych akcjach ruchowych, możliwych dla ciała ludzkiego, wykonywanych w izolacji lub integracji poszczególnych jego części, z silnym odniesieniem do geometrii przestrzeni. Zajęcia kształtują świadomość ciała.

Catch&Release / Anat Grigorio (Izrael)
Warsztat tańca oparty na podejściu „catch and release" .W trakcie warsztatu skupimy się na na szkielecie i stawach.Lekcja zawiera elementy pracy na podłodze, metody feldenkrisea i elementów nowoczesnego baletu. Skupimy się na przenoszeniu ciężaru, grawitacji, uwolnieniu kończyn.

Repertuar / improwizacja / Anat Grigorio (Izrael)
W trakcie warsztatu poznamy materiał choreograficzny ze spektaklu Anat Grigorio „On The Edge". Wykorzystamy ten materiał jako podstawę do improwizacji z podanymi jasnymi instrukcjami. Zbadamy istotę obecności w naszym ciele, precyzji. Wszystkie ćwiczenia zachęcą uczniów do opracowania własnej interpretacji ruchu.

Modern / Stefano Silvino (Włochy)
Modern jest pochodną tańca współczesnego, który w Europie narodził się na przełomie XIX i XX wieku, a w Ameryce zaczął kształtować się w pierwszej połowie XX wieku. W swych podstawowych założeniach sprzeciwiał się technice tańca klasycznego, którą uważano za nieodpowiednią w odzwierciedleniu tak dynamicznie zmieniającego się świata. Styl ten stawia przede wszystkim na ekspresję tancerza i jego indywidualny rozwój.

Contemporary / Stefano Silvino (Włochy)
Styl powstał w opozycji do baletu, kładąc nacisk na ekspresję w wyrażaniu emocji. W odróżnieniu od baletu, jest formą zdecydowanie bardziej luźną, nie wprowadzającą ograniczeń co do ustawienia ciała tancerza. Dlatego też ma on dużą dowolność w kreowaniu ruchów i może wykorzystywać do tańca ciężar ciała, grawitacje, oddech czy też swingi. Jest tak naprawdę mieszaniną wielu stylów.

Studio I

Studio II

Studio III

Studio IV

10:00 – 11:30
Gosia Kłaniecka – vinyasa yoga
Afro-House
Dunia Pacheco
Alan Fuentes-Guerra
Espacio Continuo
Ira Kodiche
Modern Fusion
12:00 – 13:30
Victoria Kennet
Constant composition
Afro dance
Dunia Pacheco
Alan Fuentes-Guerra
Creacion Permanente
Ira Kodiche
Tribal Underground
14:00 – 15:30
Ania Nowak
Taniec klasyczny dla tancerzy współczesnych

Więcej niż taniec
Piotr Mateusz Wach*

(warsztat trwa 2:30)
Anat Grigorio
Catch & Release
Stefano Silvino
Contemporary
16:00 – 17:30
Taniec współczesny na bazie Cunninghama

Anat Grigorio
Repertuar + improwizacja
Stefano Silvino
Modern
* warsztaty „Więcej niż taniec" są dwoma blokami zajęć, wybierając ten blok pozostają Państwu do wyboru tylko dwa dodatkowe zajęcia.

WYDARZENIA TOWARZYSZĄCE
22 czerwca 2019 (sobota), godz. 17:00 Spotkanie z Jagodą Ignaczak i Ewą Wycichowską wokół książki „Istnienie grać". Wstęp wolny | Teatr ROZBARK
Ewa Wycichowska to legenda polskiej sceny tanecznej, wybitna tancerka, oddany pedagog, wizjonerska choreografka. Książka „Istnienie grać. Portret Ewy Wycichowskiej" pióra Jagody Ignaczak to przekrojowe i wnikliwe podsumowanie artystycznego dorobku ponadprzeciętnie utalentowanej tancerki oraz przekraczającej kolejne granice i odkrywającej nowe przestrzenie w tańcu współczesnym choreografki. Wycichowska jest autorką ponad 70 spektakli, które zrealizowała w Polsce i na świecie.
„Istnienie grać" to także pełna humoru, dygresji i bon motów opowieść zza kulis, ukazująca nieznane fakty z życia (scenicznego i całkiem prywatnego) świętującej niedawno pięćdziesięciolecie debiutu wybitnej artystki. Spotkanie z autorką i bohaterką książki będzie okazją do rozmowy o tym jak zmieniał się taniec przez lata i jak Ewa Wycichowska spogląda na sztukę tańca ze swojej, bardzo osobistej perspektywy.
W trakcie spotkania można będzie nabyć książkę „Istnienie grać. Portret Ewy Wycichowskiej" w promocyjnej cenie.

21 czerwca 2019 (piątek), godz. 18:00 Wernisaż wystawy Finalistów i Laureatów IV edycji
Konkursu Fotografii Teatralnej | Teatr ROZBARK.
Wystawa, zlokalizowana w Teatrze ROZBARK, to niespotykana okazja by przyjrzeć się najlepszym polskim fotografiom, które uchwytują scenę i kulisy w trakcie prób i przedstawień. To pierwsza w Bytomiu prezentacja efektów dorocznego Konkursu.
Czwarta edycja Konkursu każe zadać pytanie, gdzie dzieje się teatr? Oczywista wydawałaby się odpowiedź: na scenie. Ale liczne fotografie zgłoszone do Konkursu i wybrane do finałowej puli oczywistość tę podważają. Niektóre z nich wręcz zdają się sugerować, że dzisiejszy polski teatr równie intensywnie dzieje się i ujawnia swoją prawdę w oczekiwaniu za kulisami, w twarzy aktorki palącej papierosa w garderobie, a nawet między spoglądającymi na siebie widzami. Dzieje się też w miejscach nieteatralnych, przekształconych przez sztukę w przestrzenie przedstawień. Dzieje się w końcu w kadrach fotografii teatralnej będącej czymś więcej niż fotografowaniem teatru.
W gronie finalistów IV edycji Konkursu Fotografii Teatralnej znalazło się 17 fotografów, spośród stu, którzy nadesłali swoje prace. Jury w składzie: Dariusz Kosiński, Magdalena Maciejewska, Chris Niedenthal, Agnieszka Olszewska, Agnieszka Wanicka z ponad 1400 zdjęć wybrało 10 teatralnych zdjęć sezonu oraz 11 zestawów dokumentujących przedstawienia premierowe. Na wystawie prezentowane są w oprawie graficznej Tomasza Kubarczyka.
Organizator: Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego w Warszawie
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

24-28 czerwca 2019, godz. 10:00 – 13:00 Senior Dance – warsztaty ruchowe dla seniorów | Teatr ROZBARK.
Koszt: 50 zł/osoba za 5 dniowy warsztat. Ilość miejsc ograniczona.
Taniec współczesny dla seniorów, prowadzenie: Szymon Dobosik.
Prawdopodobnie nie ma zdrowego człowieka, który by w życiu chociaż raz nie zatańczył. Ta forma ruchu dostarcza człowiekowi wielu emocjonalnych wzruszeń i często jest związana z najważniejszymi wydarzeniami w jego życiu. Ważnym jest fakt, że taniec daje bogatą różnorodność poruszania, a to sprawia, że każdy może znaleźć taką formę ruchu, która jest odpowiednią dla jego osobowości. Warsztat przybliży podstawowe techniki tańca współczesnego i improwizacji.

SZYMON DOBOSIK
Absolwent Państwowej Wyższej Szkoły Teatralnej im. Ludwika Solskiego w Krakowie, Wydziału Teatru Tańca w Bytomiu. W 2013 zagrał w dwóch dyplomach „Transdyptyk" w reż. Anny Piotrowskiej oraz „Jak wam się podoba" w reż. Briana Michaelsa. W ramach zajęć na uczelni współpracował m.in. z Anną Piotrowską, Louis Frank, Sharon Reshef, Arie Bursztynem, Hilke Diemer, Scottem Lyonsem, Josephem Fruckiem. Uczestnik VI edycji Gdańskiego Festiwalu Tańca, na którym zaprezentował solo „Pełza dusza wśród motyli, cztery czarne krokodyle". W 2014 wziął udział w Ohrid Summer Festival w Macedonii. Finalista SoloDuo Dance Festival 2015 w Budapeszcie z duetem „I że Cię nie opuszczę aż do śmierci". Uczestnik Ogólnopolskiego Studenckiego Festiwalu „Kontestacje" (Lublin) oraz Ogólnopolskiego Festiwalu Teatrów Niezależnych (Ostrów Wielkopolski) ze spektaklem „Jetzt/Teraz" polsko-niemieckiego kolektywu Little:interference.
Senior Dance warsztaty taneczno-ruchowe dla seniorów, prowadzenie: Beata Grzelak-Szweda.
Warsztat pomaga w rozbudzeniu kreatywności uczestników, pomaga w przełamywaniu barier interpersonalnych, pogłębianiu wiedzy na temat własnego ciała i jego możliwości. Uczy ekspresji poprzez ruch i taniec. Przeprowadzone zostaną również tańce w kręgu oraz integrujące grupę. Każdy cykl zajęć zakończony zostanie relaksacją i ćwiczeniami oddechowymi.

BEATA GRZELAK-SZWEDA
Tancerz-pedagog, instruktor terapii zajęciowej. W latach 2000-2013 związana ze Śląskim Teatrem Tańca, w Teatrze ROZBARK pracuje od 2014 roku. Ukończyła studia socjologiczne o specjalności praca socjalna na Uniwersytecie Śląskim. Wielokrotnie uczestniczyła w Międzynarodowych Warsztatach Tańca Integracyjnego, prowadzonych m.in. przez Pietro Cardillo i Victorię Day Fox, Warsztatach Terapii przez Ruch, prowadzonych przez specjalistów z USA (Lynn Kable, Joe Martino, Gail Frizzel, Teya Sepinuk), w warsztatach „Muzyka i ruch w działaniach terapeutycznych" przy Akademii Muzycznej w Katowicach. Na co dzień prowadzi zajęcia w zakresie Terapii przez Ruch i realizuje spektakle z osobami niepełnosprawnymi, podopiecznymi Domów Pomocy Społecznej oraz innych placówek. Od 2014 roku zaangażowana w prowadzenie systematycznych zajęć taneczno-ruchowych grupy INTEGRA.

29 czerwca 2019 (sobota), godz. 15:00 – 19:00 Spotkanie z Dobrosławą Choryńską-Chudy
„CV na dobry początek nowej kariery zawodowej". Wstęp wolny | Teatr ROZBARK.

29 czerwca 2019 (sobota), godz. 12:00 Spacerownik Teatralny: Teatr, taniec i opera – śladami Melpomeny w Bytomiu | startujemy spod BECEKu.
Spacerownik teatralny to projekt zapoczątkowany przez Instytut Teatralny im. Z. Raszewskiego w 2015 roku, przy okazji obchodów 250-lecia teatru publicznego w Polsce. Celem spacerownika jest ożywienie historii, pokazanie miast od nowej, nieznanej strony, odkrycie miejsc związanych z przeszłością i teraźniejszością teatru. Premierowa odsłona bytomskiego spacerownika przywoła średniowieczne przesądy dotyczące wędrownych performerów, przypomni burzliwe dzieje amatorskich zespołów teatralnych, nawiąże do powojennych dziejów Opery Śląskiej, w skrócie zaprezentuje historię tańca współczesnego w mieście i przypomni jego najnowsze dzieje. Teatr jest żywy gdy jest pamiętany - i pamięci o teatrze ma służyć spacerownik.
Organizator: Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego w Warszawie.

25-29 czerwca, godz. 10:00 – 14:00 Pirackie opowieści czyli poszukiwacze skarbów | Teatr ROZBARK.
Projekt teatralny dla dzieci w wieku 7 – 9 lat, prowadzony przez znakomitą aktorkę Allę Maslovskayą. Projekt zakończy się otwartym pokazem dla publiczności 30 czerwca o godz. 17:00. Podczas zabawy przyjaciele znajdują tajemniczą butelkę z kawałkiem starej mapy, na której zaznaczono skarb. Decydują się na poszukiwanie skarbu. Podczas podróży odwiedzają różne wyspy - zieloną, białą, lodową, w końcu trafiają na wyspę piratów. Podczas podróży spotykają dziwnych mieszkańców wysp, przydarzają im się ich rożne wypadki. Co to za skarb i czy w ogóle go odnajdą?

MASTERCLASS
22-23 czerwca 2019, godz. 10:00 – 13:00 | Masterclass Daniel Cardoso | Teatr ROZBARK, studio A.
Koszt: 300 zł za dwa dni.

22-23 czerwca 2019, godz. 13:30 – 16:30 | Masterclass Małgorzata Mielech | Teatr ROZBARK, studio A.
Koszt: 300 zł za dwa dni.

27-28 czerwca 2019, godz. 10:00 – 13:00 | Masterclass Jacek Łumiński | Teatr ROZBARK, studio A.
Koszt: 300 zł za dwa dni.

Szczegółowe informacje dostępne są na www.teatrrozbark.pl